Peinture abstraite, les débuts de l'art abstrait, guide du collectionneur

La peinture abstraite est une forme d’expression qui contraste avec l’art de la représentation où capturer la ressemblance du sujet est présenté comme l’objectif ultime de l’artiste. La peinture abstraite est en réalité l'opposé de l'art figuratif. Même si nous ne sommes pas en mesure de comprendre le sens d'un travail abstrait sans informations supplémentaires, celui-ci peut néanmoins réussir à transmettre un sentiment d'émotion et de sentiment.

Comment est né l'art abstrait ?

Nous avons tendance à associer la naissance de la peinture à l'artiste Wassily Kandinsky et à la révolution artistique qu'il a initiée au XXe siècle. Parmi les pionniers du mouvement, il est à l’avant-garde de l’échappée de l’art figuratif aux côtés de Kazimir Malevich, Piet Mondrian et Kupka.

Kandinsky , "abstract aquarelle"

Kandinsky n'a pas seulement partagé ses points de vue sur l'abstraction à travers son art, mais aussi dans son travail écrit. En 1910, il publie son livre «Concernant le spirituel dans l'art» dans lequel il défend l'importance symbolique de chacun des éléments présents dans la peinture et qui donne à chaque œuvre une dimension spirituelle.
 La même année, il dévoile sa première pièce abstraite intitulée «Abstract aquarelle». L'art abstrait est né.

Le figurativisme avait été laissé de côté pour un nouveau mouvement dans lequel les artistes traitaient directement de l'immatériel et de l'immatériel, sans identifier explicitement le sujet. Plusieurs sous-genres ont commencé à émerger.

 Kazimir Malevitch est devenu célèbre pour son tableau légendaire de 1915 intitulé «Black Square», suivi de «White on White» en 1918, avec lequel il a jeté les bases du suprématisme. Malevich pensait qu'un tableau était composé d'un ensemble de forces indépendantes pouvant évoluer ensemble afin de trouver un sens d'harmonie et d'équilibre au sein de l'œuvre. L'abstraction peut également prendre une forme plus lyrique, surtout lorsqu'elle est accompagnée de musique. Le «tableau avec l’arc noir» de Kandinsky en est un excellent exemple. La peinture à grande échelle a été peinte en 1912 et est considérée comme un tournant décisif pour une nouvelle ère de l'histoire de l'art.

Outre son travail sur la composition des formes et des couleurs, Kandinsky était synesthésié. Sa condition peut être considérée comme un facteur décisif pour déclencher le désir de l’artiste de créer un nouveau langage artistique. Ses sens s'entrelacent et ne font plus qu'un, transformant les sons en formes et en couleurs. L’utilisation de la couleur par Kandinsky est bien plus qu’une question d’esthétique; c'était inhérent à la façon dont il percevait le monde. Dans cette peinture abstraite, chaque couleur a été soigneusement choisie et remplie de signification symbolique. Dans sa peinture abstraite en deux dimensions, Kandinsky réussit à faire en sorte que le spectateur puisse ressentir et entendre tout un orchestre jouant un opéra de Wagner.

L'abstraction géométrique découle et contraste avec l'abstraction lyrique, que les artistes abstraits géométriques ont résumée comme un «paysage abstrait». Comme son nom l'indique, cette nouvelle forme d'abstraction s'articule autour de l'utilisation de formes géométriques pour créer un sentiment de pureté dans la peinture. Les lignes, les carrés, les triangles et les cercles entrent en collision avec l’utilisation de couleurs de bloc audacieuses sur une surface bidimensionnelle.

KUPKA« Disques de Newton », 1912, huile sur toile 

Kupka était l’une des figures majeures du mouvement, mais ne souhaitait néanmoins pas y être associé, estimant que l’art devait être le contraire de l’abstrait; cela devrait être concret et réel.

Aux côtés de lui, Mondrian a jeté les bases de l'abstraction géométrique avec son utilisation caractéristique de formes et de rectangles soignés. L'artiste a développé son style unique en structurant ses peintures autour d'une grille orthogonale sous-jacente et en utilisant des angles droits aigus.

Enfin, il est important de rappeler l’influence de Robert et Sonia Delaunay sur le développement de l’abstraction. Le couple séduit le critique et poète français Guillaume Apollinaire avec ses formes circulaires et son utilisation de la couleur. Apollinaire a baptisé son art Orphism, une référence à la figure mythologique grecque Orphée, ainsi qu’au titre de l’un de ses propres poèmes, qui selon lui rappelle le «langage lumineux» véhiculé dans leurs peintures. À cet égard, l'orphisme semble avoir plus de points communs avec l'abstraction lyrique que géométrique.

Piet Mondrian, Composition en rouge, jaune, bleu et noir, 1921

Bien que l'art abstrait marque une rupture décisive par rapport aux traditions artistiques antérieures, le mouvement peut également être perçu comme le résultat inévitable et logique du travail et de la pensée des artistes précédents. Au début du siècle, le mouvement fauviste a exploré l’importance de la couleur, tandis que les cubistes ont commencé à déconstruire les formes et à jouer avec la géométrie. De même, l’expressionisme allemand, né en 1905, a encouragé l’idée que les émotions indépendantes, détachées de la réalité, devraient être au centre du travail de l’artiste.

Robert Delaunay, Hélice et Rythme, 1937, huile sur papier

Grâce à l’abstraction l’art moderne a pu exceller et atteindre son apogée.

En ne se focalisant plus sur des sujets physiques, les artistes ne se limitent plus à représenter une réalité reconnaissable. L'art abstrait a un langage universel à partager et à transmettre. Depuis ses débuts, l'abstraction a été largement partagée à travers le monde et a beaucoup contribué à la réflexion contemporaine.

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